Картина в китайском стиле своими руками

Своеобразие китайской живописи

Китайская традиционная живопись — гохуа, что дословно переводится как «государственная живопись», — древнее и уникальное явление в изобразительном искусстве. Длительная обособленность Китая позволила развиваться культуре и живописи в частности собственным путем.

Принято считать, что традиция китайской живописи как таковой приписывается четырем деятелям, живших, впрочем, в разное время, 4-8 века нашей эры: Гу Кайчжи, Лу Таньвэй, Чжан Сэнъяо и У Даоцзы.

Однако, ученые-археологи считают этот факт спорным и относят зарождение живописи к гораздо более ранним срокам.

Китайское живописное искусство кардинально отличается от европейской живописи: в ней нет понятий перспективы в привычном понимании, нет источника света и главная задача — передача сути, духа, мысли, эмоции, отражение впечатления. Главное не осознать, а непосредственно пережить явление.

Отличны и используемые для гохуа материалы и инструменты. Китайцы выделяют четыре предмета, без которых немыслима живопись, и их называют «четыре сокровища». Это тушь, рисовая бумага, кисть и тушечница.

Следует отметить, что сегодня, как и две тысячи с лишним лет назад, рисовую бумагу для живописи и каллиграфии, кисти и некоторые особо ценные сорта туши делают вручную по старинным технологиям из натуральных материалов.

Монохромная (черно-белая) живопись тушью была признана одной из высших форм искусства, которое было доступно лишь знатным высокообразованным людям и монахам, последователям учения Дао.

Тем не менее, использование в изображении цвета, который как таковой несет смысловую нагрузку, также широко использовалось.

Итак, основной философский источник китайского стиля рисования — даосизм, согласно которому все возникло в результате слияния инь и ян. Инь — негативное, темное, влажное женское начало, ян — дополняющее его позитивное, светлое, сухое, мужское. Гармонию инь и ян обеспецивает ци — явленная форма Дао или глубинная природа вещей.

Задавая ритм композиции, используя взаимодействие проявлений инь и ян, то есть объединяя противоположности, художник передает движение энергии.

Истинные мастера гохуа писали свои работы только в умиротворенном состоянии духа, поскольку считали, что душевная дисгармония отражается в картине и пагубно влияет на зрителей.

Черно-белую живопись оценили и последователи дзен-буддизма, используя ее как дзен-упражнение.

Изначально живописные работы использовались в ритуальных целях для украшения храмов и усыпальниц. Позже живопись становится более светской. В средние века открываются Императорские художественные академии живописи. А основным заказчиком становится, естественно, император и его двор.

В средние века происходит постепенное разделение живописи на стили.

С одной стороны востребован парадный и детальный стиль изображения, который назовется стиль «гунби» или «тщательная кисть». С другой стороны художники, как образованные и почтенные люди, постоянно находились в поиске новых выразительных живописных приемов. Так зародился свободный стиль живописи философов и поэтов, названный «сеи» или «живопись идеи».

Что дает нам сейчас китайская живопись?

Во-первых, занятие гохуа обуславливается полной концентрацией внимания, отрешенностью от внешнего, позволяет быть в настоящем моменте времени, проживать сиюминутные собственные впечатления. Ум успокаивается. В голове не роятся тысячи хаотичных мыслей.

Во-вторых, живопись гармонизирует внешнее и внутреннее по принципу подобия: гармония и покой в душе влекут покой и гармонию в событиях жизни. Умиротворение, равновесие, сдержанность и упорство — это основа. А как говорилось выше, заниматься восточной живописью возможно только в «срединном» состоянии дао.

Растирание плитки сухой туши в тушечнице подобно медитации. Художник обращается к размышлениям о предстоящей работе. Картина уже есть, остается ее лишь явить миру.

В-третьих, гохуа называют пассивным цигун. В процессе занятий китайской живописью работает не только сознание, но и тело. Разум достигает максимума концентрации, тело же наоборот, наиболее расслаблено, что вкупе с определенной техникой дыхания позволяет энергии течь гармонично.

И, наконец, китайская живопись учит находить прекрасное в происходящем, ценить и от души принимать любой результат усилий. И недаром один из мудрых китайских принципов гласит: «Следуй за кистью. Пиши, как пишется».

Иллюстрации сверху вниз:

1.Ван Вэй (род. ок.701 — ум. ок. 761), фрагмент шелкового свитка «Просвет после снегопада в горах у реки».

2. Ван Си Мэн, (род. ок. 1096 г. — ум. ок. 1119 г.), фрагмент шелкового свитка «Горы и воды на тысячу ли». Из всего его творчества до наших дней дошёл лишь один свиток, на котором оставил свой колофон Цай Цзинь, премьер-министр правительства императора Хуэйцзуна (1101—1125). Это единственный источник сведений о художнике. В нём Цай Цзинь сообщает, что свиток «Горы и воды на тысячу ли» был создан в 1113 году Ван Си Мэном, которому тогда было около 18 лет, и что художник через несколько лет после этого скончался совсем молодым.

3. Авторство работы приписывается Чжоу Фану, но мнения экспертов расходятся (годы жизни неизвестны, работал в период 765-800), фрагмент шелкового свитка «Дамы с заколками в волосах и цветами».

4. Джузеппе Кастильоне, (19.07.1688 — 17.07.1766), китайское имя Лан Ши-нин, итальянский манах-иезуит, миссионер, архитектор и придворный художник императоров дин. Цин (1644–1911). Мастер стиля гун-би (тщательная кисть), он особенно преуспел в жанре «цветы и птицы».

5. Хуан Юн Юй. Излюбленная тема художника — лотосы, стиль се-и.

Источник

LiveInternetLiveInternet

Всегда под рукой

Цитатник

Первые 3 слова, которые ты увидишь,означают то что ожидает тебя на Новый Год! &nbs.

Музыка

Метки

Рубрики

Фотоальбом

Видео

Поиск по дневнику

Подписка по e-mail

Просматривая кучу роликов по теме, я заметил, что старые кит. художники предпочитают работать на сто метровых рулонах бумаги, разводить краску в эмалированных ведрах и рисовать кистями, размером с трубу от пылесоса. Я буду использовать обычные кисточки, небольшие палитры и формат А3.

Также очень рекомендуется рисовать на рисовой бумаге, «на которой последние две с лишним тысячи лет создают картины китайские художники», но кроме рисовой водки в наших магазинах я ничего не обнаружил.
Никогда не оставляйте кисть в воде, лучше сложите на какую-нибудь подставку. А когда оставляете кисть надолго (день, месяц, тысячелетие) обмакните в мыльный раствор, чтобы она засохла и сохранила форму.

Читайте также:  Как утеплить аккумулятор на зиму своими руками фото

«Одной из отличительных черт китайской живописи является то, что образы в ней создаются посредством линейного рисунка, в то время как в европейской живописи образы выражаются с помощью объёмов и форм,цветом и светотенью…»

«В традиционной китайской живописи установились определенные жанры: пейзаж “горы и воды”, живопись “цветов и птиц”, портрет и анималистический жанр…»

В китайской живописи самое главное – «передать одухотворённый ритм живого движения, который присущ всему в природе, передать его сущность, а не внешнее натуралистическое изображение… Художник стремился передать сущность, мировую гармонию, ритм, лежащие в основе явлений природы.»

Каждый мазок, элемент и картина в целом – это символ. И философия. Все для них имеет собственный смысл. Горы – мужское начало (янь), вода – женское (инь). Любое растение – это воплощение определенного человеческого характера. И так во всем…

«…Язык символов, лишенный предметной реальности, близок и понятен истинному ценителю китайского искусства. Тот, кто не понимает смысла иносказаний,не может постичь китайскую живопись…»

Самое главное – научиться чувствовать кисть и делать нужные именно вам мазки. Вообще мазок – это основа. Только не тот мазок, который сдается на анализы, а который произошел от каллиграфических штрихов. Все иероглифы построены на последовательности определенных мазков.
Для начала несколько положений кисти в руке.


Вертикальное положение. При нем хорошо получаются отрывистые штрихи с широким началом и тонким концом)))
Наклонное положение – для покрытия большой площади краской. Всегда нужно контролировать направление мазка. До самого конца. С помощью пальцев.

Советую извести пару листов бумаги на тренировку со штрихами, как это сделал я.)))
Почувствовать кисть. Сопротивление бумаги. Рождающуюся из под вашей кисти форму на листе.

Начинаю рисовать ветку с цветами.Так как эт оодно из любимых объектов в китайской живописи…

Сначала широкой кистью с черной краской обозначаю первые штрихи, толстое место ветки…


Дальше чуть с меньшим нажимом рисую продолжение этой ветки. Мазки тоньше и короче…

Более тонкой кистью добавляю мелких веток…

Наконец стволовая основа закончена теперь можно рассаживать цветы…)))Берем кисть потолще…цвет в принципе любой, главное не черный))) я выбрал желтый…

Рассаживаем цветы дальше…На сгибах веток самые крупные на концах меньше. Практически все время держу кисть вертикально.

Нужно научиться наносить, градиентные мазки, как я их назвал.))) То есть берем на кисть основной цвет(в нашем случае желтый), потом один раз макаем в оранжевый и рисуем. Должен выходить плавный переход двух цветов.

Потом тонкой кистью с яркой теплой краской наносим тычинки и всякую мелочь на цветы.

Эта картина нарисовалась за 20 минут)))

У меня под рукой две чашки с водой. В одной я смываю плотный раствор с кисти, а в другой домываю уже почти очищенную кисть.

Следующее упражнение…конечно же бамбук)))

«…Изображая бамбук, художник воспевает настоящего мужа высоких моральных качеств, порой сравнивая с ним свой характер…»

Чаще всего его рисуют в монохромной гамме. То есть семь тонов черного цвета.

20 минут работы и бамбук готов)))

Следующий этап работы – птицы. Анималистический жанр – немалая часть в работах китайских мастеров. Конечно, у них не было такого понятия как референсы. Они рисовали то что их окружало и было знакомо с детства.)))

Мы же можем воспользоваться дарами Интернета и рассмотреть объект рисования не отрывая за…простите, не сходя с места)))

Колибри…

Любую птичку надо начинать с клюва и глаз. От них строится оперение и общие пропорции пернатого.

Пользуемся «градиентными» мазками, а в некоторых местах разведенной водой краской…
Мелкие вещи лучше прорисовывать сухой кистью с краской. То есть выжимать немного кисть тряпочкой или снимать жидкость о край стакана или поверхность палитры…Есть экземпляры, среди художников, которые облизывают кисть…))) Ну тоже вариант…


И еще пара птиц…

Каждая рисовалась минут 10.

«Из всех жанров наибольшее значение приобрел пейзаж…Китайские живописцы использовали целый комплекс формальных приемов, таких как «плавающий», подвижный фокус вместо линейной перспективы, «глубины» и психологический масштаб, то есть, то, что мыслилось более значительным и изображалось больше, независимо от естественного масштаба. Так же в распоряжении живописцев был целый арсенал технических средств: большое количество различных видов мазков, линий, размывов и т. п. Причем каждый прием использовался для передачи совершенно определенного эффекта или состояния…»


Пора приниматься за пейзажи…

Так как большинство пейзажей рисовались на листах, напоминающих длинный кусок туалетной бумаги, то и мы не будем нарушать традиции.
Я, например, разрезал А3 напополам…
Тут мы будем использовать технику «мазюкать на мокром». Я промочил весь лист большой кистью и сильно разбавленной краской нанес крупные разводы на листе, помня, что сверху – небо, снизу – земля.

Ну и еще один пейзаж…уже без комментариев.

«Ещё одной особенностью китайских картин является пометка их личной печатью художника, заменяющей его подпись.»

Также они любили прописать поперек листа какое-нибудь мудрое изречение или стих.
Я же выдумал свой собственный китайский экслибрис)))
Он ничего не значит, просто пусть будет)))

На этом закончим наш мастер-класс. Надеюсь вам понравилось и принесло какую-то пользу… Как, говорил мой учитель по рисованию в университете – «даже обезьяну можно научить рисовать…» (причем, мне кажется имел в виду меня всегда)))))))но тут главное не в технике… В китайской живописи есть огромный плюс – это язык символов. Символов простых, вечных и понятных любому – красота, гармония, любовь. Тут нет строгих правил…И произведение ценится не за то, что оно рисовалось годами…просто…

Напоследок, для любителей Фен-Шуя – несколько иероглифов с положительной энергией)))

Источник

Интерьерные картины в японском стиле — делаем сами

Его характерные особенности:

Своими руками вы можете создать, конечно, не шедевр, но оригинальное и самобытное произведение в японском стиле, идеально подходящее для украшения интерьера.

Самый простой вариант

Для тех, кто располагает минимумом времени, и не может похвастаться способностями к рисованию, есть следующий вариант картины своими руками.

На листе плотного картона густой черной гуашью или тушью изобразите ветку дерева. Затем в нескольких блюдцах или одноразовых пластиковых тарелках в разных пропорциях смешайте красную и белую краску, чтобы получить различные оттенки розового. Цвета не должны быть излишне яркими. Поочередно в каждое блюдце окунайте спонж или кусочек губки и наносите отпечатки на картон, изображая цветы сакуры. Перед нанесением следующего слоя дождитесь, пока полностью высохнет предыдущий.

Читайте также:  Пила для заготовки дров своими руками

Традиционный пейзаж

Если вы хотите традиционный японский пейзаж, приобретите акварельные краски и специальную бумагу для рисования ими. Бумагу можно заменить картоном. Еще понадобится остро заточенный карандаш, пастель, палитра и кисти.

Не забудьте, что прежде чем начать рисовать, бумагу для акварели пропитывают водой.

Учтите, что картон хорошо впитывает воду, значит, краску нужно разводить водой сильнее, чтобы получить необходимый прозрачный тон. На бумаге, наоборот, появятся потеки. Поэтому сначала поэкспериментируйте, чтобы найти нужную пропорцию.

Создание акварели:

Полотно на шелке

Главное здесь – интуиция и чувство меры. Эффектно смотрится картина из черных линий на алом или желтом фоне, созданная своими руками. Если ткань пастельного цвета, те, кто знаком с техникой батик, могут на мокром полотне изобразить пейзаж или просто абстрактный цветной фон. Приступайте к работе только тогда, когда ткань полностью просохнет.

Лоскутная живопись в технике кинусайга

Японцы – люди очень практичные. Именно поэтому старые, не пригодные для дальнейшей носки кимоно они разрезают на мелкие кусочки и создают замечательные лоскутные картины.

Чтобы своими руками создать шедевр, вам понадобится следующее:

Этапы работы:

Объемные произведения в технике осиэ

Картины в технике осиэ – это объемные аппликации из бумаги. Этот вид декоративно-прикладного искусства напоминает предыдущий вариант, но техника требует большей усидчивости, аккуратности и кропотливости. В Японии эти картины своими руками делают даже маленькие дети.

Вам понадобится:

Вам нужна именно бумага-васи, так как по текстуре она напоминает ткань. Обычная цветная бумага не имеет необходимой эластичности, легко мнется и рвется по сгибам.

Источник

Четыре особенности, два стиля и главные цветы китайской живописи

Китайская живопись — отдельная вселенная в мире искусства. Со своей особой историей, традициями, законами, «звездами» и изобразительными техниками.

Изучать ее и совершенствоваться в ней можно всю жизнь. Однако любой путь начинается с первых шагов. Предлагаем их сделать сейчас вместе с нами — начать знакомство с китайской живописью.

В чем главные особенности традиционной китайской живописи? Какими принципами должен руководствоваться мастер, если хочет создать совершенное живописное произведение? Наконец, какие четыре цветка начинающий художник должен нарисовать в первую очередь?

Разобраться в основах нам поможет Светлана Плакасова — художник направления
Се-И, автор специального онлайн-курса по китайской живописи в нашей школе.

Конечно же, одной публикации не хватит, чтобы погрузиться в технику и теорию китайской живописи полностью. Поэтому я не буду пытаться объять необъятное, а постараюсь «прорисовать» самые значимые и интересные моменты. Постараюсь, чтобы вы прочувствовали самобытность этого вида искусства.

Особенности китайской живописи

Традиционная китайская живопись — это больше, чем просто изображения на рисовой бумаге. В ней слиты воедино философско-культурная, социальная, религиозная, этические функции, философия бытия.

Несмотря на то, что сюжеты произведений максимально реалистичны, китайские живописцы традиционных школ не пишут пейзажи, предметы или явления. Они живописуют дух и суть, саму природу вещей.

Минимальные средства при максимальной выразительности, глубокий символизм и в то же время сюжетная доступность, соотношение религиозного и светского —

вот отличительные черты живописных произведений традиционных китайских мастеров.

А главные особенности живописного произведения — это гармония энергий Инь и Ян, символизм и духовный смысл рисунка, связь с каллиграфией и доминирующее положение изысканной линии.

Гармония Инь и Ян в китайской живописи реализуется самым непосредственным образом, при написании картины тушью на рисовой бумаге. Линии и штрихи, пятна и размывка — все эти приёмы читаются как та или иная энергия.

Сухой штрих с эффектом непрокрашенности, как бы с естественными пробелами, оставляемыми движущейся кистью, так называемый парящий или летящий белый —
это Ян. Влажная, широкая линия — Инь.

Секрет шедевра в том, что таких разнообразных штрихов и пятен должно быть столько, чтобы все вместе они создавали гармонию.

Сухая чёрная тушь, влажная светло-серая, влажная чёрная, сухая светло-серая. Их вариативность и сочетание, объединенное с линией и рождает гармонию изображения.

Помимо этого, природа ИньЯн выражается и в строении самого объекта изображения.

Сюжетное своеобразие и символизм

В разные времена на разных этапах развития китайской живописи, в разных школах и традициях на первый план выдвигалась то бытовая повествовательная живопись, то пейзаж, то живопись цветов и птиц, то портрет.

Интересно то, что в китайской живописи отсутствует натюрморт, по крайней мере, в привычном для нас понимании. Неподвижные предметы с точки зрения китайцев оторваны от действительности и мертвы. В картине обязательно должна присутствовать динамика жизни и времени. Если художник изображал камни или фрукты, то рядом с камнем всегда присутствовало растение, причем фрукты всегда изображаются на ветке.

Художественный образ в китайской живописи практически не содержит преходящих, случайных деталей, читается лишь в контексте определённой культурной традиции.

Это не значит, что китайскую живопись нельзя воспринимать непосредственно.

Просто в одном и том же живописном образе житель Поднебесной и европеец увидят разное. О работах китайских мастеров говорят, что их нужно уметь «читать».

Источник

Свиток против рамы, или Зачем китайцы сворачивают картины в рулон

Мы, европейцы, привыкли, что картина должна быть оформлена в раму и висеть на стене. На востоке все по-другому. В наше время, конечно, багет проник и туда, и картины на стенах можно увидеть, но традиционный способ представления живописи в виде свитка по-прежнему используется в Японии, Корее и Китае, откуда он родом.
Давайте разбираться, что это такое и зачем оно нужно. История свитка, как и множества других китайских изобретений, насчитывает тысячелетия. Всё началось в 6 веке до нашей эры, когда тексты наносили за неимением других подходящих носителей на внутреннюю поверхность скрепленных между собой бамбуковых палочек, а палочки затем сворачивали в рулоны.

Постепенно вместо бамбука для письма, а потом и живописи стали использовать шелк, а затем и бумагу, но привычный рулонный формат сохранился. Рисовая бумага и шелк — нежная штука, требующая деликатного обращения, поэтому каллиграфию или картину наклеивали на более плотную основу, обрамляли шелковыми полями и сворачивали в рулон, а точнее свиток.

Читайте также:  Подиумы ваз 2109 своими руками размеры

Для нас это непривычно, но на самом деле практичность и удобство такого способа очень впечатляют. Во-первых, шелк создает поле вокруг картины, поэтому в случае чего порвутся, помнутся и испачкаются поля, а не сама работа. Во-вторых, на краях свиток плотный, ведь шёлк обладает некоторой дополнительной по сравнению с бумагой толщиной, а внутри витки более свободные. Это значит, что, с одной стороны, внутрь не проникнет пыль, а с другой стороны, благодаря циркуляции воздуха работа не пострадает от плесени или гниения. Мне кажется, что дошедшие до наших дней древнейшие образцы живописи своей сохранностью обязаны в том числе оформлению в свитки.

На каждом краю свитка обычно есть цилиндр, с помощью которого вы постепенно разворачиваете работу на ширину в несколько десятков сантиметров, затем постепенно накручиваете просмотренную часть на правый цилиндр и разворачиваете работу дальше. Если это ваше первое знакомство со свитком, вы не имеете представления, что ждет вас далее, вы совершаете самое настоящее путешествие с правого края картины до левого её края. Это похоже на чтение книги или просмотр фильма, у которых, в отличие от привычной нам живописи, есть начало и конец. Но при этом вы сами делите картину на участки, как бы кадрируете её, какие-то части рассматриваете подробно, что-то прокручиваете быстрее, то есть вы по существу становитесь со-творцом художника! Потом вы проделываете обратный путь, слева направо, подмечая новые подробности и детали, и после такой прогулки свиток отправляется на полку до следующего сеанса. В таком формате смотреть картину большой компанией совершенно невозможно; это интимное общение с произведением искусства для одного, максимум двух человек, с близкого расстояния, в непосредственном контакте с картиной.

В наше время в музеях и на выставках экспонируются развёрнутые свитки, хотя для музейщиков это всегда непростая задача. Если вам попадется такое произведение, не забудьте, что смотреть его надо справа налево, а не как эта пара, слева направо!

У горизонтальных свитков есть ещё одна фишка: с левой стороны у старинных работ часто находится так называемый колофон —один или несколько текстов с различными надписями. Первую запись обычно оставлял автор картины, а следующие добавляли и многочисленные владельцы, и еще более многочисленные зрители. Кто-то написал о своих впечатлениях от картины, кто-то согласился с автором комментария и добавил своё видение, кто-то поспорил, здесь цитаты из чужих стихов и собственные стихи, навеянные живописью. Что-то есть в этом очень современное, вам не кажется? Автор каждой надписи сопровождал ее собственной печатью. К этой части свитка подклеивали новые листы и порой ее длина становилась гораздо больше самого произведения. Свитки с колофоном очень высоко ценятся коллекционерами, потому что это больше, чем живописное произведение и интересный исторический документ; это живой диалог между автором и зрителями, зачастую разделенными многими поколениями.

Свиток может создать только настоящий мастер. Представьте, что вам надо нарисовать картину длиной в несколько метров. Вы не можете увидеть ее целиком, вы последовательно работаете над отдельными кусочками, но все они должны быть частью целого, нести один замысел. При этом китайская живопись, в отличие от масляной, не позволяет что-либо исправить. Каждый мазок, каждая линия должны сразу лечь на свое место, без права на ошибку. К тому же никаких карандашных набросков в китайской живописи не существует, все делается сразу начисто, с белого листа. Кроме того, зрители сами будут кадрировать вашу работу, поэтому композицию надо продумать так, чтобы в ней не было швов, чтобы, скажем, пейзаж, а это самый распространенный жанр в горизонтальных свитках, плавно разворачивался перед глазами.

.

С третьего века нашей эры китайцы стали оформлять работы и в вертикальные свитки, и эта традиция жива в наши дни с сохранением тех же принципов и приемов, что и два тысячелетия назад. Здесь способ знакомства с произведением ближе к нашему, европейскому, но все же не точно такой же. Такие произведения, как и у нас, вешают на стену для любования. Но китайцы считают, что картиной надо именно любоваться, а не делать ее частью повседневного пейзажа, привычной и не вызывающей душевного отклика деталью интерьера. Поэтому картину вывешивают только на какое-то время, часто по сезону или по какому-то специальному случаю. Так что свиток большую часть времени хранится в свернутом виде, а его созерцание становится радостным событием.

Довольно популярен формат четырех свитков: по временам года, с четырьмя благородными растениями (слива, орхидея, бамбук, хризантема), с четырьмя красавицами.

Поделюсь любопытными особенностями оформления свитков. Верхнее поле принято делать больше, чем нижнее, оно называется небо, а нижнее, соответственно, земля. Сверху у неба есть рейка с шелковым шнуром, который закрепляет свиток в свернутом виде и за который развернутую работу вешают. Снизу — цилиндрический утяжелитель, на него наматывают свиток, а еще он не позволяет работе скручиваться, когда она висит на стене. Интересно, что у горизонтальных свитков тоже есть небо и земля, только там небо находится справа, а земля слева. Есть разные стили оформления — в один, два или три цвета. Свитки позволяют интересно скомпоновать живопись и каллиграфию.

Изготовление свитков — это отдельное увлекательное искусство. Прежде всего надо рассчитать размер готового свитка в зависимости от размера изображения (существуют каноны, определяющие ширину неба, земли и боковых полей). Рисовая бумага очень тонкая, кроме того она после нанесения изображения или иероглифов становится как бы покоробленной. Чтобы разгладить ее, сделать краски ярче и укрепить, работу надо наклеить на плотную и гибкую бумажную основу. Потом надо решить, какой шелк подойдет, сколько использовать цветов, делать ли вокруг изображения тонкий кант из тесьмы и выбрать цвет канта. Наконец приклеиваешь шелковое обрамление, и картина сразу оживает! Остаётся закрепить верхнюю рейку с шелковой ленточкой и нижний утяжелитель, вставить в утяжелитель декоративные деревянные заглушки, и свиток готов.

Мне всегда очень радостно, если кто-то из покупателей хочет получить именно свиток, потому что картина сразу приобретает законченный вид, при этом она сохраняет легкость в прямом и переносном смысле, ведь изображение не закрыто стеклом. Ну и удобство тоже никто не отменял: достаточно маленького гвоздика, чтобы работа заняла свое место на стене!

Источник

admin
Делаю сам
Adblock
detector